John Everett Millais -Despertar- (1865/66)

De las tres hijas de Millais, Carrie era la más pequeña, ella es la protagonista de este lienzo. Llama la atención la cinta roja, apenas esbozada con pinceladas rápidas, en gran contraste con el cobertor blanco marfil, dibujado con gran precisión...
También se ve al fondo la niñera ocupada con la costura. Sobre la presencia de las flores en la mano de la niña los críticos interpretaron las campanillas como signo de constancia, mientras que las prímulas puede representar augurios de amor y felicidad.

Dante Gabriel Rossetti -Monna Vanna-(1866)

Se encuentra en la Tate Gallery de Londres. En un principio la obra tenía que titularse “ Venere veneta” Como en todos los retratos de Rossetti dedica mucha atención a los detalles: las joyas, los plieges de la ropa etc. La modelo fue Alexa Wilding.

Dante Gabriel Rossetti -Dantis Amor- (1859)

Creo que Dante Gabriel Rossetti fue la personalidad más representativa de la Hermandad, algo que se reforzó más si cabe con sus biógrafos, atraídos, en algunos casos más por la naturaleza extravagante del artista y por sus aventuras novelescas que por su propio arte.
Estuvo muy influenciado por la personalidad de su padre autor de textos con referencia a Dante y gran amante de la poesía.
Inició su actividad artística con ilustraciones de sus textos literarios preferidos, como el Fausto de Goethe o “El cuervo” de Edgar Allan Poe.
En la PRB casi se convirtió en un símbolo, más por la fuerza de su personalidad que por haber compartido las ideas originarias de la Hermandad. Sus contemporáneos veían en él al representante más cualificado de una cultura con la fascinación de la cual acaban por hacerlo coincidir: el prerrafaelismo se identifica, sobre todo en Rossetti y en el tono que le dio a la imaginación prerrafaelita.
Obra genialmente bella, cuadros complejos sobre Dante, historias medievales etc. como este “Dantis Amor” donde el sol y la luna simbolizan la luz y la oscuridad, lo activo y lo pasivo, femenino y masculino, el cielo y la tierra y expresan la aspiración de una unidad cósmica.

Sir John Everett Millais 1ª Parte

Dante Gabriel Rossetti 2ª Parte

Dante Gabriel Rossetti 1ª Parte

Arthur Hugues (Home from Sea) El regreso del mar

Quizá el cuadro más conocido de Arthur Hugues sea “El regreso del mar” (1856-1857) pintado en el exterior respetando los cánones prerrafaelitas. La obra muestra un grumete que regresa del mar, para postrarse sobre la tumba reciente de su madre. Era una adaptación del un grabado de William Hunt que apareció en el primer número de The Germ.
En el paisaje es donde se nota más la influencia de Ruskin.

The challenge in the wilderness (1874-1898) Edward Burne-Jones

Desafío en el desierto (1874-1898)

The heart of the rose (1889) Edward Burne-Jones

El corazón de la rosa (1889)

Edward Burne-Jones (y 3)

En 1877 se hizo famoso depués de su primera exposición en la Grosvenor Gallery.
El artista expuso siete obras, entre ellas “El encantamiento de Merlín” con enorme aceptación. Los críticos hablaban de de una mezcla de espiritualidad gótica, gracia clásica, y solidez italiana.
El éxito de la primera exposición se repitió en la siguiente y, tras la Exposición Internacional de París de 1878, la fama del artista se difunde internacionalmente.
En 1885 es elegido miembro asociado de la Royal Academy , pero dimite en 1893, incómodo en el mundo académico.
Falleció en Londres el el 17 de junio de 1898.






El encantamiento de Merlín, 1874






Sidonie Von Bork, 1860




Angel, 1878



Amor en la ruinas, 1894

Walter Howell Deverell, el hombre que descubrió a Elizabeth Siddal

Walter Howell Deverell (1827-1854) Un hombre de gran talento, pero con una vida muy corta fue el “descubridor” de Elizabeth Siddal. En 1850 la encontró. Trabajaba en una sombrerería de Cranbourne Alley. Paseando por delante del establecimiento William Allingham fue el primero en fijarse en ella. Este se juntaba con sus amigos prerrafaelitas para leer poemas y explorar calles.
Le habló a Walter Deverell sobre ella. Deverell quería una modelo para el personaje de Viola para su cuadro “Twelfit night”. Fue con su propia madre a Cranbourne Alley; Walter regresó al grupo entusiasmado por haber encontrado esa mujer tan bella.
Durante un tiempo el grupo la asimiló como una compañera más. Posó para todos ellos: Fue la celta pelirroja de “Christmas sheltering from the persecution of the druids”, fue la “Viola” disfrazada de paje en “Twelfit night” de Deverell (en el que Dante Gabriel Rossetti también posó como un juglar); fue Ofelia para Millais, recostada en una bañera en la casa de Gower Sreet, de manera que el artista la pudiera reproducir con delicadeza empapada, hecho que agravó el de por sí, delicado estado de salud de Elizabeth.
Hasta que Rossetti se enamoró de ella. Hermosa, alta y delgada para aquella época, con finos rasgos regulares, cuello cincelado, ojos azules y una espléndida cabellera pelirroja. Daguerrotipos y fotos muestran una expresión demacrada, hasta agria, que sería por el resultado del dolor físico. Era pasiva, silenciosa y tranquila. Posó estoicamente para Millais con un vestido bordado sin protestar y eso que la lámpara que habían puesto debajo de la bañera para que el agua se mantuviera templada se había apagado y el agua estaba helada, y así pasó varias horas. Esa pasividad ayudó que Rossetti y Siddal se encontraran. Ella, una mujer melancólica que se sentía movida por los gestos llenos de vida del artista de ascendencia italiana. Con sus silencios, con su mórbida belleza, su apatía, era como una estatua a la que había que traer a la vida debió pensar Rossetti.





Walter Howell Deverell "Twelfth night" (1850)



Walter Howell Deverell "The grey parrot"



Walter Howell Deverell "A scene from As You like it" (1853)



Walter Howell Deverell "A pet"

Edward Burne-Jones (2)

Después de su tercer viaje a Italia (1871), se sumaron las influencias de Mantenga y de Miguel Angel. En concreto el clasicismo de Miguel Angel se convirtió en punto de referencia: de la “Rueda de la fortuna” (1875-1883) a Venus Discordia (1878), pasando por algunas telas del “Ciclo de Perseo” (1875)
Otro punto es la inspiración literaria. Puede decirse que no hay ninguna obra suya que no haya nacido de una sugerencia literaria: De la Edad Media de Malora y Tensión a la de Froissart y de Chaucer, mientras que el mundo clásico es evocado a través de Filis y Demofonte o Cupido y Psique.
Hay una continua osmosis entre la obra pictórica y la obra decorativa. Desde la fundación de la Firm por parte de William Morris. Muchos de sus cuadros derivan de dibujos para ilustraciones o vidrieras y son traducidos en tapices, o nacen como proyectos para decoraciones de interiores: “El Cielo de Cupido y Psique” para el comedor de Georhe Howard en el Palace Green Kensington, o “El ciclo de Perseo” proyectado para la sala de música de de Lord Balfour que quedó inacabado. Y así unos cuantos más.
El estilo del artista es el resultado de una combinación de elementos: En el “Ciclo de Pigmalión” coexisten el tema clásico que toma prestados a ejemplos italianos como Botticelli o Miguel Angel, pero con una atmósfera medieval reinventado.
En “Los Alpes saboyanos” (1892), del Ciclo de Perseo, la referencia a las estatuas de Afrodita y Dione, del frontón derecho del Partenón, es introducida en un brumoso y fantástico “highland” escocés.
Se trata pues, de un estilo compuesto, cuya realización dedica el artista toda su vida.
En “El espejo de Venus” (1878), un grupo de muchachas vestidas con túnicas clásicas, en un paisaje volcánico, se reflejan en un manantial de agua rodeado de flores minuciosamente pintadas al estilo prerrafaelita.




El espejo de Venus (1898)



La rueda de la fortuna (1875-1883)




Cupido encontrando a Psique (1865)




Filis y Demofonte (1870)

Elizabeth Siddal - Dead Love (Amor muerto)

Fotografía de Elizabeth Siddal


Nunca llores por un amor muerto,
ya que rara vez el amor es verdadero.
El cambia sus ropas del rojo al azul,
y del más brillante azul al rojo,
el amor ha nacido a una muerte temprana,
y su realidad es apenas un despojo.

Entonces no ancles tu sonrisa
en su pálido rostro descarnado,
para exhalar el más profundo de los suspiros.
Las palabras justas en labios sinceros.
Pasarán y sin duda morirán;
y tú estarás solo, mi querido,
cuando se desaten los vientos invernales.
Nunca lamentes aquello que no puede ser,
pues este Dios no regala dones.
Si este pobre sueño de amor fuese nuestro,
entonces, querido, estaríamos en el cielo,
pero aquí sólo hay campos muertos,
donde el verdadero amor jamás es cierto.




Dead Love


Oh never weep for love that’s dead
Since love is seldom true
But changes his fashion from blue to red,
From brightest red to blue,
And love was born to an early death
And is so seldom true.
Then harbour no smile on your bonny face
To win the deepest sigh.
The fairest words on truest lips
Pass on and surely die,
And you will stand alone, my dear,
When wintry winds draw nigh.
Sweet, never weep for what cannot be,
For this God has not given.
If the merest dream of love were true
Then, sweet, we should be in heaven,
And this is only earth, my dear,
Where true love is not given.

Edward Burne-Jones (1)

Fue el artista inglés más importante de finales del siglo XIX, y su influencia fue enorme.
Empezó influenciado por Rossetti, con temas entre la Edad Media y la abstracción figurativa, síntoma de una evasión cada vez más radical de los modelos protoprerrafaelitas.
En 1858, un encuentro con George Frederick Watts, le pone en contacto con los sueños utópicos del anciano maestro. Animado también por Ruskin, que advirtió su talento y quiso contraponer al gusto demasiado medieval de Rossetti, un ideal de “gracia y tranquilidad clásica” el artista decidió viajar a Italia.
Si, hasta en ese momento los prerrafaelistas habían soñado e interpretado la cultura italiana a través de las mediciones más diversas (hasta el mismo Rossetti, a pesar de sus orígenes, nunca viajó a Italia), Burne-Jones, afronta un impacto directo tanto con el arte primitivo que con el de los grandes siglos.
El primer viaje (1859) está dedicado a hacer verificaciones de arte medieval, desde los frescos del Camposanto de Pisa a los de Giotto, pero el artista se siente atraído por artistas del siglo XV, como Ghirlandaio, y le impresiona la obra de Botticelli, considerado en Inglaterra todavía un maestro menor.
Regresa a Italia en 1862 acompañado por Ruskin quien pretende educarlo con los ejemplos de la pintura veneciana del siglo XVI, interés dominante de aquellos años en la cultura inglesa. Burne-Jones se dirige concretamente a artistas que le son afines, como Carpaccio o Giorgione; el primero, por el eco de la Edad Media, y el segundo por la simbología moderna y por el predominio de atmósferas cromáticas.
Al interés por la cultura italiana se suman las sugerencias de la escultura antigua: es el único prerrafaelita que siente interés por el revival clásico: “El ciclo de Pigamilón”, “La Anunciación” y “La escalera dorada”.




La escalera dorada (1876-1880)










Anunciación (1879)










El ciclo de Pigmalión (1868-1878)

William Morris

En 1871 William Morris y Dante Gabriel Rossetti alquilaron una casa para el verano en Kelmscott Manor. En el mismo años Morris realizó un largo viaje de seis semanas por Islandia, y otro, dos años después. El contacto con un ambiente salvaje e incontaminado influyó no solo en su poesía, sino en su misma concepción de la vida, que se orientó hacia la utopía de un retorno a la naturaleza para liberar al hombre de la esclavitud industrializada. En 1878 se trasladó al 25 de Upper Mall, en Hammersmith a una casa que bautizó como Kelmscot House (y que hoy acoge la William Morris Society)
Los años ochenta se se caracterizaron por un creciente compromiso social y político. En 1882 William Morris lee “El capital” de Karl Marx, se adhiere a la “Democratic Federation” , una organización socialista en la que también participaba la hija de Marx..
En 1884 el artista fundó Socialist League e intensificó su compromiso polñitico sin descuidar su actividad artística que culminó con la tarea de poner en marcha la “Arts & Crafts, Society”, cuya primera muestra tuvo lugar en el año 1888.





Jazmine, papel para pared (William Morris)




Tapíz (William Morris)

William Morris (1835-1896)

La bella Isotta (1858-1859)

Fue uno de los protagonistas de la segunda fase del movimiento prerrafaelita. Nació el 24 de marzo de 1835 en Helm House, en Clay Hill. En 1843 es inscrito en la Misses Arundel´s Academy. En 1847 muere su padre, a la edad de cincuenta años y William, pasa de un colegio aristocrático a uno público. En aquel nuevo ambiente desarrolla un carácter rebelde e indiferente a las rígidas reglas de la educación victoriana. En el Exeter Collage de Oxford conoce a y hace amistad con Edgard Burne-Jones con quien viaja a Francia en 1855 y luego convive algunos meses en Londres. Fascinado por las obras de Ruskin decide abandonar sus estudios y dedicarse una “vida consagrada al arte” Primero frecuento el estudio de un arquitecto, Gorge Edmund Street, poco después conoce Dante Gabriel Rossetti quien lo acerca a la Hermandad Prerrafaelita y le anima a interesarse por la pintura y la poesía. El 26 de abril de 1859 se casó con Jane Burden. En 1865 redacta “The earthly paradise” su composición poética más famosa, inspirada en los versos de Chaucer y en el Decamerón de Boccaccio. Fue publicado en 1868 con gran éxito de crítica y de ventas, tanto, que en poco menos de una década William Morris se convierte en un popularísimo poeta.

Arthur Hughes (The heavenly stair, 1887-1888)

Arthur Hughes (Amor de abril, 1858)

Arthur Hugues (1832-1915)
Está inspirado en uno de los cantos de “La hija del molinero” de Tennyson. La imagen exalta la frágil belleza del amor. Cuando pintaba temas románticos, al igual que Millais usaba el paisaje en función de la acentuación emotiva de las situaciones.

Dante Gabriel Rossetti (Helen of Troy, 1863)

Dante Gabriel Rossetti (A sea spell, 1872)

Ford Madox Brown -May Memories (1869-1884)

Ford Madox Brown

Nació en Calais hijo de un comisario inglés. Estudió en Brujas, Gante y en la Academia de Amberes. En París conoció la gran pintura. De Rembrandt a los españoles pasando por los románticos de su época. En 1848 Rossetti le pidió que le diera claases de pintura. Posteriormente compartió los preceptos de la Hermandad. Dos de sus obras más importantes fueron “Adiós a Inglaterra” (1852-1855) y “Trabajo” (1852-1863)





"Adiós a Inglaterra" (1852-1855)


"Adiós a Inglaterra” concentra la imagen dignamente desesperada de la pareja de pequeños burgueses que se alejan de su país. Plasma el gran movimiento de la emigración que alcanzó su cota más alta en 1852.




"Trabajo" (1852-1863)


En “Trabajo” el cuadro quiere representar un panorama de las clases sociales, de los cavadores en actitud épica, a los vagabundos, a los señores de la burguesía, desempleados y a los ociosos a caballo.
En una posición destacada a la derecha se puede ver a Carlyle y a F.D. Maurice, que, “aún pareciendo perezosos trabajan controlando el trabajo bien hecho y la felicidad de los demás” (como consta en el catálogo de la PIcadilly Gallery, donde la obra fue expuesta en el año 1865)
Su posterior carrera se desarrolló aparte del prerrafaelismo. Fue un gran diseñador en la Firm de William Morris, proyectó muebles y cartones para vidrieras. Esta actividad influyó en su pintura tardía.

William Holman Hunt - El vecino inoportuno (1895)

William Holman Hunt - The dovecote (1866-1875)

William Holman Hunt (1827-1910) Segunda y última parte

Después de viajar a Tierra Santa en 1854 (vuelve en 1869, 1875 y 1892) su obra se ciñó a la experiencia adquirida en esos lugares. Su primer cuadro fue “El chivo expiatorio”, esa vez Ruskin le advirtió del peligro de un exceso de sentimiento que podía hacer olvidar las exigencias de la pintura como tal. Su único interés reside en el componente hiperrealista que seca la atmósfera y comunica una especie de alucinada tensión. Hunt ambientó el chivo, como símbolo de las culpas del mundo, en el mismo lugar (a orillas del Mar Muerto) donde creía que había existido Sodoma.






"El chivo expiatorio"


Otra obra es “Jesús hallado en el Templo” terminada después de 1860. El artista se siente atraído por las ropas y las historias judías, cosa que emana en cada detalle.



"Jesús hallado en el templo"


En 1867 con “Isabel y el jarrón de albahaca” volvió a un tema prefarraelita, este fue dedicado a su esposa fallecida.



"Isabel y el jarrón de albahaca"




En otro viaje a Tierra Santa pintó otras obras religiosas “La sombra de la muerte (1869-1870) y “El triunfo de los inocentes” (1896-1887). En el primero quiere subrayar la nobleza del trabajo manual. Se nota en el lienzo un sentimiento de soledad y falta de confianza, Holman Hunt dijo de ella que le habría producido una gran infelicidad.
En “El triunfo de los inocentes” se conjuga una mezcla de lo real y lo irreal.





"La sombra de la muerte"



"El triunfo de los inocentes"



Entre 1886 y 1905 pinta “La dama de Shalott” influido por el Art Noveau y a las ilustraciones de los Poemas de Tennyson de 1857. Una curiosidad: para pintar el peinado de la dama tardó tres años.


"The Lady of Shalott"

William Holman Hunt (1827-1910) Primera parte

Fue el menos conocido y apreciado de los prerrafaelitas, aunque fue el único que tuvo fe hasta el fin en los presupuestos originarios de la Hermandad. Nació en Londres, hijo de un jefe de almacén. Tras dos intentos fallidos pudo entrar en 1844 en la Royal Academy.
En los años siguientes se acercó a los textos de Ruskin y a la poesía de Kyats, influencias fundamentales para encontrar su estilo. En 1848 expone en la Royal Academy inspirada en Keats “La huida de Magdalena y Porfirio” de estilo todavía académico.











"La huída de Magdalena y Porfirio"



Animado por sentimientos religiosos y empapado por el moralismo de Ruskin, pinta cuadros sagrados y dirigidos a un amplio público, pero también temas literarios de Kyats, Tensión y Shakespeare, dos cuadros inspirados en este último son “Claudio e Isabel” y “Valentín salva a Silvia de Proteo.








"Valentín salva a Silvia de Proteo"









"Claudio e Isabel"











"El despertar de las conciencias"

En 1865 se casó con Fanny Waugh, quien falleció de parto al año siguiente. En 1875 se casó con la hermana de ésta, Edith, con muchas complicaciones, pues estaba prohibido por las leyes inglesas este tipo de uniones.
Hay una vena de morbo en la atmósfera del fervor religioso y represión moral que rodea la vida y la obra de Holman Hunt. Al contrario de Rossetti, es un típico hombre de su tiempo.
En 1853 pinta los dos últimos cuadro que preceden a la disolución de la Hermandad: “El despertar de las conciencias” y “ La luz del mundo”, obras muy recargadas y llenas de simbolismos. El primero representa una prostituta que, víctima de remordimientos, tiene un sobresalto, mientras el seductor sigue tocando el piano, el mensaje sin duda es la posibilidad de redención.






"La luz del mundo"


Pese al agolpamiento de símbolos, Ruskin, en una carta al Times en 1854, defendió la excesiva proliferación de detalles del cuadro: “Nada es más interesante que el modo como incluso los objetos más banales se imponen a la atención de una mente animada por un estímulo vital y apremiante”
“La luz del mundo” fue acogido con escaso interés por la Royal Academy cuando se presentó en 1854, aunque Ruskin, otra vez lo defendió. Al año siguiente el propio Holman Hunt explicó su obra así: la luz física corresponde a la luz espiritual,, la linterna a la preservación de la verdad, la herrumbre a la corrosión de las facultades vitales, las malas hierbas a las malvadas actitudes, el huerto abandonado a la despreocupación de los ricos del jardín de Dios, el murciélago a la oscuridad y a la ignorancia. Este cuadro es muy popular reproducido en libros y estampas, es una de las imágenes clave de la religiosidad victoriana.

John Everett Millais - Apple blossoms (1856-1859)

John Everett Millais - The nest (1887)